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Fue el artista veneciano Barnaba Salvador, quien inauguró oficialmente la segunda jornada de Fabriano InAcquarello 2022, la convención enteramente dedicada a la técnica de la pintura al agua sobre papel, nacida -según reiteró, la fundadora, la visionaria Anna Massinissa- con la intención de romper cualquier tipo de barrera social o cultural que impida el diálogo, la amistad y el compartir. Estas son las piedras angulares que promueve el arte, considerado un patrimonio de la humanidad. «La finalidad del arte es crear relaciones no sólo entre el arte y los artistas, sino entre todos los usuarios que de alguna manera participan en el proceso», afirma Anna Massinissa, creadora del proyecto que ha revolucionado el mundo social de la acuarela, quien añade: «El arte es la clave del entendimiento, no debe ser la ‘visión’ sino la ‘actitud’ y como tal debe facilitar las relaciones sociales bajo la bandera de la inclusión y la paz.»
Barnaba Salvador es un acuarelista apasionado por el Carnet de Voyage. Para la ocasión, creó una demostración en colaboración con empresas asociadas de origen alemán: DaVinci y Schmincke. La pasión de Salvador por el cómic y sus posteriores estudios artísticos le han llevado a encontrar la máxima expresión artística en el ‘Carnet de Voyage’ con el que recorre el mundo haciendo talleres y demostraciones. Para la realización de la demostración -un patio de estilo carnet de viaje- utilizó los pinceles Colineo de Da Vinci y los nuevos colores granulados HORADAM® AQUARELL de Schmincke. Estos pigmentos, que ya están disponibles en una gama de 40 colores (marcados con la letra G en el envase), se añaden a la ya existente gama tradicional de acuarelas que componen la variada paleta de Schmincke. La singularidad de los colores granulados radica en que cada uno de ellos está elaborado con dos pigmentos diferentes que no sólo ofrecen un mayor brillo, sino que también garantizan un alto control del flujo de color. Barnaba Salvador, con su simpatía, confesó el secreto con el que crea particulares patrones: se trata de un líquido protector especial para las botas de fútbol. Esta confesión despertó el asombro del público, que quedó gratamente sorprendido por la autenticidad del artista. Sin embargo, el gerente de Schmincke, presente en la sala, anticipó que en 2023 se propondrá el nuevo líquido, especialmente diseñado para satisfacer las necesidades de Barnaba Salvador y de todos aquellos artistas que, por su naturaleza, buscan constantemente nuevos medios de expresión.
La oportunidad de interactuar directamente con los representantes de las distintas marcas del mercado, que proporcionan información técnica sobre los materiales existentes y los nuevos productos, es otro elemento clave de la convención. Las demostraciones de los artistas para los fabricantes de pigmentos y pinceles son, de hecho, tan importantes como las sesiones de demostración de los Maestros Artistas, porque ofrecen información útil e interesante.
Las mujeres tienen el honor de contar con la demostración de la artista maestra Ekaterina Maltseva, originaria de Rusia, país en el que estudió arte al más alto nivel según los estrictos parámetros de las academias rusas y posteriormente se trasladó a Italia. La demostración de Maltseva, además de poner de manifiesto las dotes de empatía de la artista, mostró cómo la representación del tema es consecuencia del flujo natural de emociones que éste despierta, en este caso la orquídea, su flor favorita. «Cada flor posee su propia personalidad, como el ser humano, y es el artista quien debe captar sus peculiaridades», dice Maltseva, que considera que la obra artística es una proyección del pintor. El resultado del enfoque negativo de la composición pictórica es una visión poética en la que se destacan los elementos individuales. Un ejemplo de ello son los pequeños bulbos que acompañan a las flores que ya han florecido y que el artista obtiene del uso seco de un pincel limpio. La fragilidad de los pétalos de la flor también está representada de forma sublime y vibrante, y transmite perfectamente la idea de la fragilidad de esta flor. La demostración técnica de la artista, que trabaja en húmedo sobre húmedo, es una continua toma y retirada de pigmentos y agua en busca de las formas y el equilibrio armónico de los colores que deja interactuar entre sí al final de la composición. Maltseva afirma que realiza multitud de bocetos preparatorios antes de crear la obra final. Según el artista, es importante no pretender una representación estéril del tema, sino interpretar el sentimiento que se establece entre el artista y el sujeto. Sentimiento en el que la armonía de las formas (los puntos de los que parte para «sellar» el sentimiento en una obra continua en curso) y el ritmo de la composición son elementos esenciales que contribuyen al éxito de la obra.
El artista italiano Luciano Colucci creó una demostración para Royal Talens. Artista ecléctico que se describe a sí mismo como «una persona creativa y curiosa, a la que le encanta romper las reglas», Colucci contó con la ayuda del asesor técnico de Royal Talens -y embajador de Royal Talens para Suiza- Kaha von Smik en la demostración. En la sesión de demostración, creó varias obras en las que utilizó los tres tipos de acuarelas producidas por la empresa holandesa: las Rembrandt, que representan el tope de gama en cuanto a pureza del pigmento; las Van Gogh, las acuarelas con excelente relación calidad-precio, recomendadas sobre todo para los principiantes; y las nuevas acuarelas FINTEC. Los FINTEC, elaborados a partir de mica natural, son colores nacarados, iridiscentes y metalizados, especialmente diseñados para la caligrafía y el lettering. Gracias a su especial brillo, se han convertido en una excelente herramienta para realizar efectos especiales que pueden enriquecer las composiciones en acuarela, como demostró Colucci en la triple demostración.
FabrianoInAquarello, además de ser un medio de interacción con el que compartir el tiempo, las técnicas y las perspectivas dedicadas a la pintura de acuarela, es también un medio a través del cual enfocar conceptos relativos al bienestar psicofísico del artista y a su forma de percibir la naturaleza y, en consecuencia, la esencia del arte. «Hacer arte no es sólo pintar o dibujar, sino sobre todo observar con atención. La mayoría de las veces estamos ciegos en la forma de mirar», dijo el artista indio Atul Panase, que a través de ejercicios prácticos condujo a los participantes a una nueva perspectiva que pone de relieve una lectura diferente de la realidad en la que la imaginación desempeña un papel igualmente importante.
La sesión diaria del taller se centró en los retratos y su composición. La invitada especial fue la artista piamontesa Lorena Massa, que considera que el retrato es la parte más locuaz y representativa de la naturaleza humana. La artista presentó algunas de sus significativas obras, que recorren su trayectoria artística. En los retratos explicados con cariño, en los que las historias de los sujetos representados adquieren un significado universal, la perspectiva y la composición de la imagen desempeñan un papel fundamental para enfatizar la narración. Narración que implica elecciones compositivas en función del mensaje que el artista quiere comunicar. Con la ayuda de una maqueta, Massa ha estrechado y ampliado literalmente el campo de visión a enfocar mediante prácticos paspartús, diseñados al efecto y abiertos en ambos ángulos, para favorecer el movimiento. Massa afirmó que utiliza habitualmente este enfoque de la composición, ya que es muy útil para encontrar la clave narrativa con la que contar la historia del sujeto. Este enfoque también le ha permitido, en algunos casos, «eliminar» elementos completamente accesorios y, por tanto, engañosos en la narración de la historia. De este modo, ha demostrado cómo es posible liberarse del formato vertical canónico de 30 x 40 cm para realizar infinitas posibilidades compositivas que permiten que la narración se centre en los ojos y no en el primerísimo primer plano del rostro que apunta al futuro o al pasado, creando así el patetismo necesario para despertar el interés del espectador. Entre las diversas sugerencias que da el artista está la de no colocar el rostro en una posición central en la hoja -una práctica que considera comunicativamente algo predecible y estéril- en favor de representar el rostro en los diferentes lados de la hoja, para crear perspectivas narrativas más interesantes.
Eudes Correia es embajador de Windsor & Newton y para FabrianoInAcquarello ha creado un retrato con un fuerte valor poético, inspirado en la fotografía de un anciano marcado por las arrugas del tiempo. El artista brasileño conocido por sus retratos es admirado por la habilidad que posee para representar los rostros de los «invisibles», tan dramática y poéticamente marcados por las experiencias personales: invisibles a los ojos de la gente y mágicamente protagonistas en la imaginación de este artista tan singular. Correia aborda la acuarela de forma diferente: es casi brutal en la realización del fondo y consigue afinar la complexión y los más pequeños detalles con los que consigue transformar la obra pictórica en una obra maestra expresiva y de fuerte impacto emocional. Artista singular, Correio declaró expresamente que no podía trabajar sin la «suedade», la música melancólica y nostálgica, típica de Brasil, que en un momento dado quiso compartir con el público, despertando el entusiasmo de los participantes, algunos de ellos portugueses y brasileños, que se sumaron al coro.
Fabriano, patrocinador principal del evento, se puso en marcha con un invitado especial, gran orador y profundo conocedor de los materiales: Pierre Guidetti, la cara de Savoir-Faire (síguelo en directo cada viernes en Instagram: @artsavoirfaire). Pierre explicó el importante tema del papel de manera clara y concisa. Destacando los tipos de papel existentes, se centró en la importancia del papel Artistico, fabricado en algodón 100%, disponible en dos colores -blanco y extrablanco- y en tres tipos de grano diferentes -satinado (o comprimido), de grano fino y de grano grueso. Demostrando las extraordinarias cualidades de renderización de Fabriano Artistico, tres notables personalidades estuvieron presentes: Lana Privitera, Didier George y la joven y talentosa Mona Omrani, que destacó sus peculiaridades.
«Lo bueno de la acuarela es que se pinta sola», dijo Anders Anderson en la sesión de clausura. Los conocimientos técnicos y la practicidad de las enseñanzas de Anderson se derivan en parte de sus estudios de ingeniería, que le permitieron resolver de forma práctica cuestiones a veces tediosas. Anderson resumió el proceso periódico de satisfacción que se alterna con el desánimo, inherente a la naturaleza del artista, en un esquema muy sencillo en el que la energía y el tiempo son los componentes clave y al que el artista respondió de forma concisa: «simplemente tienes que creer en lo que haces».
El artista dio numerosos consejos durante la sesión. Entre ellas, sugirió utilizar un visor rojo para ayudar a determinar la composición, recortar las imágenes e identificar los valores tonales de los colores, fundamentales para la correcta ejecución de la obra. Además, para evitar el uso de pigmentos oxidados, recomendaba utilizar colores frescos sacados directamente de los tubos.
El día ha llegado a su fin y Miami Niche te espera mañana para llevarte de la mano por el segundo día de FabrianoInAcquarello.
(on the title, Eudes Correia’s final work)
